Michela Depetris

Category: resident artist

Michela Depetris

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TRANSFARAOKE (daffodils are 50% human) -> ballo mutante telepaticX is a project in progress. It is a hybrid performance that travels between karaoke, possession ritual, party, video and other things that are not yet well defined. It is a reflection on the connection between various realities (human, animal, vegetal, mineral, bacterial, extraterrestrial, technological, material, immaterial, telepathic, dreamlike) that compose the vibrating matter in which we are immersed and of which we form part, perceiving material not as something that separates and distinguishes things, but as something allowing their meeting and mixing. This research stems from my interest in contemporary rituals of encounter and from a fascination with the idea of ​​transformation. I start from the assumption that bodies are social flesh, active matter in relation to other matter that is constantly evolving, and that, therefore, there is no position outside nature. I explore formulas (magical? scientific? chemical?) to escape the trap of binary thinking and that make bodies permeable, contaminated and contaminating, porous, multi-species. I wrote: “I have dreamed of being an alien and of organizing popular karaoke on planet Earth, at-home parties to stir pupils, vocal cords, asses, legs, leaves, consciences. I have written texts full of banality into which I poured alien intelligence that entered humanity from the screen, effortlessly accompanying it so it can touch another dimension.”

She studied dance, performance practices and visual arts in Italy and Spain, crossing and meeting the work of many different artists such as La Ribot, Vera Mantero, Elena Cordoba, Olga Mesa, Xavier Leroy, Paz Rojo, Camille Hanson, Ester Ferrer, Juan Loriente, Matar Zamir, Silvia Calderoni/Ilenia Caleo, Claude Coldy, Raffaella Giordano, Doriana Crema, Giorgio Rossi, Motus, Marigia Maggipinto, Kinkaleri, Cesare Petroiusti, Matthew Barney. She works at the crossroads of performance, choreography and visual arts, often using music, sound/voice and videos as media to connect, touch and involve the audience. She investigates the ideas of transformation, ritual, natural and artificial, visible and invisible, exploring the connection between intimacy, gaze/vision, perception and vulnerability, using images and sometimes words, trying to re-create and discuss our complex approach to the present/future/past from a feminist/transfeminist/queer perspective. Her research is often playful, humorous, chaotic, mysterious, hybrid and poetic, tapping into the complexity of the present and trying to find an escape from anthropocentrism.
*She would like to be a mushroom, a frog, a chemical producing visions*.

Michela Depetris is with us in: Edizione 2021,

Marta Olivieri

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2017 > 17 and 2021 edition

Trespass | processing an emerging choreography, wishes to open a space and time to contemplation. It fits into the research between the visible and the invisible and integrates the work of S.U.D.M.U.P. It wants to investigate the multiplication of the gaze and the emergence of a body, through absorption and restitution.
It uses coincidence but does not exclude discrepancy.
Two performers inhabit the space, observing the surroundings with the aim of returning an interpretation of it, generated by the encounter between the “me” and the context.
There is no division between audience and performer.
The observer, furthermore, can cross and modify the space by moving his point of view.

The structure of the work allows its continuous writing, presenting a new genre of emergence with each reproduction, as a consequence of the specific inhabited space.

Marta Olivieri is author and performer. Her artistic interests want to question the unforeseen contestaul datas that move a body. Writings, sounds, temperatures and the city landscape are the areas of her research.
The body moves between the visible and the invisible attempting a continuous happening on the sides of the structure it inhabits. The creative process wants to build a ground for a formal structure and its possible deconstruction to coexist. She attends Formazione Bartolomei Training and Modem courses at Scenario Pubblico. In 2015 she met Marta Ciappina, performer, movement coach and teacher, with whom she started an assiduous path of study.
She also studied with: M. Kejzar, M. Kilvady, G. Scarcella, J. Neves, A. Cristiani, E. Giannotti, M. Rizzo, C Delorenzi, E. Gervasi,A. Ajmone, C. Morganti, K. Takagi. In 2018 she graduated as a Somatic Movement Educator within the Body-Mind Centering®️ training program. During the same year she conducted somatic and compositional research workshops at Scenario Pubblico. She works as an interpreter for DOM-, she worked with Riccardo Guratti and Michele Rizzo. From 2019 she participates in the Roma Non Esiste project (DOM-) and is curatorial member of SiR. She collaborates as well with ATI Suffix, a collective of architects, artists, philosophers and researchers, whose work is intertwined with architecture and relational art. Besides, she collaborates with Roberta Mansueto | Takecare project.

Marta Olivieri is with us in: Edizione 2016-17, Edizione 2021,

Mirko Guido

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He completed his Master in Performative Practices at SKH (Stockholm University of Arts). He works with choreography as an expanded practice, and builds performative spaces through a transdisciplinary approach, using different means, including dance, video, text and participatory practices. His researches focus on exploring, reinventing and experimenting with the constant negotiation of roles, responsibilities, aesthetics and ethics that operate in the context of his choreographic practice. In his processes he uses methods inspired by documentary techniques, game structures and somatic practices. He questions and articulates distances between personal archives and ready-made materials, between attention to the relationship with the Other with the space and with bodily sensations, between the subject and the object, crossing these experiences transversally to destabilise dualistic separations. His first choreographic works earned him the First Prize and the Audience Award at the International Choreographic Competition in Hannover, and a nomination as Young Choreographer to Watch in the Ballet Tanz magazine. He has created works for the Staatstheater Saarbrücken and the Staatstheater Wiesbaden, before moving on to projects as an independent artist. He has presented his works in various venues in Sweden, Italy, France, Serbia, Portugal, Greece, Germany and Switzerland, and has been in residence at art centres such as PACT Zollverein, Uferstudios, Work Space Bruxelles, Summer Studios Rosas, Dansens Hus, c.off/CCAP, Saari. As a dancer he was part of the dance companies at the Theater Hagen, Tanz Theater Bielefeld, Staatstheater Saarbrücken, Staatstheater Wiesbaden and the Cullberg Ballet, working with a wide variety of choreographers and experimenting with very different choreographic methods.

Mirko Guido is with us in: Edizione 2020, Edizione 2021,

Elisa Turco Liveri

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Fare spazio, dilatare i tempi e i vuoti all’nterno della struttura, cadere dentro di essa attraverso pratiche di ascolto e attese, lasciar stare, tenere a bada l’attitudine volontaria dell’agire e del produrre, che ci porta a compiere atti già esistenti nella nostra gamma mentale. Tentare di forzare i limiti e stare in una posizione a lungo. Entrare e uscire dalla massima concentrazione per favorire uno scambio continuo tra spazio interno e spazio esterno. Chiudere e aprire gli occhi, abitare piccoli spazi, zone oscure, far emergere cosa è necessario per me in quel momento. Mi sembra che spesso vengano reiterate alcune forme, date come giuste, o belle, e ne vengano escluse altre, tutte quelle che non sono ascrivibili a nessuna categoria e che, per me, riguardano il rapporto tra la specificità dell’individuo e il suo corpo, e di conseguenza la relazione con lo spazio circostante e con gli altri.
Mi interrogo costantemente su che ti tipo di presenza si scelga di portare in scena oggi, fare un lavoro lento e sostanzialmente legato a qualcosa d'invisibile è totalmente in controtendenza con ciò che sta accadendo ora. Siamo di fronte ad un cambiamento radicale in ambito percettivo. Nella mia ricerca vorrei aprire un campo d’indagine in grado di dialogare con ambiti come le neuroscienze, lo sviluppo cognitivo, la meditazione. Una serie di riflessioni, di prove, di parole e pratiche da proporre ad altri corpi, per condividere un lavoro sulla centratura che si riflette immediatamente sul processo creativo che vogliamo mettere in atto. Vorrei iniziare questo processo di ricerca a partire dal brano Silence di Pauline Oliveros e dalle sue pratiche di meditazioni sonore.

Inizia la sua formazione diplomandosi presso il corso biennale di alta formazione per attori dell’Ert diretto da Stefano Vercelli. Approfondisce i suoi studi nell’ambito del teatro fisico seguendo per alcuni anni il lavoro di Cesare Ronconi e Marco Sgrosso. Nel 2008 partecipa alla scuola di alta formazione di Chiara Guidi “Tecniche di vocalità molecolare” e studia canto popolare con Germana Giannini. Dal 2011 Approfondisce lo studio sul corpo e la danza incontrando diverse persone e pensieri tra i quali: Hervé Diasnas, Maya Carroll, Samuel Lefebvre, Simona Bertozzi, Alessandra Sini. Dal 2014 segue assiduamente i seminari di danza butoh con Alessandra Cristiani e nel 2017 partecipa al progetto di formazione ISA presso Inteatro Polverigi. Dal 2016 pratica e studia Yoga Iyengar. Come interprete ha lavorato per 3 anni con Pippo Di Marca e inoltre con Oscar Goméz Mata, Romeo Castellucci, Chiara Guidi, Teatro Valdoca, Laminarie, Divadlo Continuo (Rep. Ceca).
Nel 2011 fonda il gruppo Dehors/Audela insieme a Salvatore Insana (videomaker) con cui realizza lavori che mettono in dialogo le arti performative con il video e il cinema sperimentale. La compagnia è sostenuta per due anni da Anghiari Dance Hub, selezionata in vari festival italiani e internazionali tra cui: La Briqueterie (Parigi), Fabbrica Europa, Kilowatt, Cross, Teatri di Vetro, Sofia Undeground Performance Art Festival, Danza & Foco Festival (Rio de Janeiro), Festival de la Imagen (Colombia). Elabora inoltre “Perfor(m)are il quotidiano” progetto formativo sperimentale rivolto a diverse fasce sociali e a zone geografiche marginali.

www.dehorsaudela.com

Elisa Turco Liveri is with us in: Edizione 2019,

Elisabetta Consonni

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2020 artista residente

Partendo dai due lavori all’attivo Be water my friend e Ti voglio un bene pubblico, l’uno che affronta in maniera installativa il problema geopolitico inerente alla risorsa dell’acqua e l’altro, in linea con una ricerca portata avanti da anni, sulla relazione tra performativita’ e spazio pubblico, il quesito piu’ ampio che mi interessa ffrontare riguarda la relazione tra la pratica artistica e la pratica politica.

Come un aspetto politico viene indagato nel trasformarsi in prodotto artistico? Quanto di politico devo far rientrare nel processo di creazione?
Posso sperare in un impatto sociale e considerare il lavoro artistico come detonatore di cambiamento sociale?
Perche’ mi interessa tanto la questione arte-politica?

Il tempo dedicato a ricerca X diventerebbe quindi una sospensione dal tempo produttivo, per riflettere sulla piega che la mia pratica artistica ha preso negli ultimi anni, senza una necessita’ di cristallizzare il tutto in categorie ma almeno mettendone a fuoco certi aspetti.

Coreografa tutto, essere umani e disumani, oggetti mobili e immobili, mappe, interstizi e gruppi vacanze spaziali per costruire una rete di relazioni, sottili e forti, come il vetro di zucchero.

Laureata  in Scienze della Comunicazione con una tesi sulla costruzione sociale del corpo nella danza, frequenta The Place- London Contemporary Dance School (2004-2005) e approfondisce indipendentemente la ricerca in ambito performativo ed esistenziale in Olanda (2005-2009)  e in Polonia (2013-2015).

I suoi lavori Maquillage (2007), Fotoritocco (2012, vincitore di Presente Futuro Palermo 2012), Plutone (2016) e And the colored girls say: doo da doo da doo da doo (2018, progetto finalista a DNA appunti coreografici 2016 e Cross Award 2017) si situano nello spazio di dialogo tra la danza e altri linguaggi artistici. Dal 2013 è ideatrice di Ergonomica, un progetto di ricerca di arte performativa nello spazio pubblico e di dispositivi di attivazione della partecipazione civica . All’interno del progetto realizza le azioni site specific  We want to become architecture e Go with the flow ( Polonia, 2014), la costruzione coreografata di Pompenpurg Park (Rotterdam, Biennale di Architettura 2014), Il secondo Paradosso di Zenone ( 2016), Abbastanza Spazio per la più tenera delle attenzioni (progetto per la Biennale Danza di Venezia 2016) e cura, assieme a Connecting Cultures, il simposio Spazio Ergonomico (sempre nell’ambito di Biennale Danza 2016). Nel 2019 vince il bando Open- Creazione [Urbana] Contemporanea con il progetto Ti voglio un bene pubblico.

Elisabetta Consonni is with us in: Edizione 2019, Edizione 2020,

Annika Pannitto

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The third Table

The Third Table è una ricerca coreografica sulla possibile costruzione di un oggetto che eccede qualsiasi significato specifico. Un oggetto che è, autonomo, e che non rimanda o funziona come metafora per altro.
 La ricerca apre una riflessione che già qualche anno fa si era presentata come un’intuizione: la possibilità cioè di considerare la danza come ciò che “fa” lo spazio e il tempo, e non come una produzione di significati.
 Questa ricerca è dunque un ulteriore passo in avanti: non solo la danza “fa” lo spazio e il tempo, ma genera un altro oggetto che, seppur invisibile, si può percepire come un volume.
L’osservazione del processo mentale e fisico che si attiva durante la produzione della danza è la pratica centrale in questa ricerca per formulare l’esposizione di un pensiero in movimento, un’articolazione fisica che è il risultato di una serie di relazioni che succedono nel corpo che danza. 
La ricerca pone anche l’accento sulla performance come un incontro tra l’opera e il pubblico, in cui tutti i punti di vista e le interpretazioni sono reali e vere.
 Lo sguardo, e dunque il meccanismo della rappresentazione, diventa un altro aspetto centrale di questo progetto.
La principale domanda emerge necessaria: data la natura effimera del movimento, e la sua caratteristica di invisibilità (è possibile vedere il corpo che produce il movimento ma non il movimento stesso), cosa vediamo quando ci troviamo di fronte a una danza? Come si può generare dal vivo un oggetto coreografico che prescinde il corpo? 
The third table è forse proprio quello che emerge partendo da una serie di condizioni, e che diventa l’oggetto in comune tra chi produce la danza e chi la guarda.

Annika Pannitto è coreografa, danzatrice e ricercatrice nell’ambito della coreografia contemporanea.
Il suo lavoro ha a che fare con relazione tra danza e coreografia e guarda al corpo umano e alla sua relazione con lo spazio e il tempo.
I suoi lavori sono stati ospitati in diversi contesti Europei (tra gli altri, il teatro Schouwuburg di Rotterdam, l’Atelier Re.Al di Lisbona, il Festival Diskurs di Giessen, il Centro Danza Canal di Madrid).
Collabora regolarmente con artisti di altre discipline per arricchire la sua pratica e imparare da altri percorsi artistici.
Insieme alla designer Erica Preli cura dal 2012 la pubblicazione Table Conversation.

The Third Table

un progetto di ricerca ideato da Annika Pannitto
in collaborazione con Elisa D’Amico
foto Italy Marom

annikapannitto.com

The Third Table

un progetto di ricerca ideato da Annika Pannitto
in collaborazione con Elisa D’Amico
foto Italy Marom

annikapannitto.com

Annika Pannitto is with us in: Edizione 2019,

Marina Donatone

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Il progetto di ricerca LOOK MA, NO HANDS muove dal tentativo di studiare la funzione della scelta in rapporto alla generazione del movimento. A partire dall’ascolto del peso inteso come forza motrice, il corpo che danza viene interrogato su quei processi di negoziazione tra controllo e abbandono che lo spingono a dire sì a un movimento piuttosto che a un altro.
Contestualmente al lavoro sulla pratica, si intende andare a fondo dei sistemi di trasmissione attraverso i quali questa ricerca si attiva e di come questi si definiscono a partire dal suo oggetto, provando a chiarificarne gli elementi essenziali.
L’intento è di raggiungere uno stato del corpo in cui i danzatori si sperimentino come fossero su una  una tavola da surf, dove l’accogliere il movimento dell’onda che avanza è un tutt’uno con la possibilità di governarla, giocando con una certa “potenza fisica del fare o del non fare, del sì e del no”, modulando l’eredità di un movimento che li precede, e che pure non esisterebbe senza di loro.

Marina Donatone nasce a Roma nel 1993. Si forma presso la Budapest Contemporary Dance Academy, studiando con insegnanti quali Eva Karczag (Trisha Brown), Adrien Hód (Hodworks) e Marco Torrice (Rosas), e si perfeziona seguendo laboratori di Laurent Chétouane, Silvia Rampelli e Adriana Borriello. Nel 2013 è tra gli artisti in residenza del progetto di Fabbrica Europa Nostoi – histoires des retours et d’exodes, in collaborazione con il Teatro Nazionale di Tunisi e sotto la direzione di Michael Marmarinos. Dal 2014 al 2016 prende parte a Biennale College Danza all’interno della Biennale di Venezia. Nel 2017 è una dei partecipanti a DANCE MAKER 1, corso di alta specializzazione sulle pratiche coreografiche a cura del CSC – Centro per la Scena Contemporanea di Bassano del Grappa.
In qualità di danzatrice ha lavorato in Italia con artisti e coreografi quali Virgilio Sieni, Jacopo Miliani e Andrea Costanzo Martini e all’estero con il coreografo ungherese Csaba Molnár. Parallelamente all’attività di danzatrice ha collaborato come dance maker alla realizzazione di performance per spazi non convenzionali, tra cui il Museo Civico di Bassano del Grappa (con il sostegno del CSC di Bassano del Grappa) e l’Accademia di Belle Arti di Brera (produzione Zona K e Stanze). Il suo primo progetto autoriale LOOK MA, NO HANDS è finalista a DNAppunti coreografici 2018 all’interno di Romaeuropa festival. Nel 2019 è una dei partecipanti a Boarding Pass Plus Dance, progetto per l’internazionalizzazione e la mobilità di giovani artisti e operatori under 35, curato da Short Theatre, CSC – Bassano del Grappa, Lavanderia a Vapore, Indisciplinarte/Terni Festival e Santarcangelo Festival.

Marina Donatone is with us in: Edizione 2019,

Rebecca Marta D’Andrea

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Esiste uno spazio interattivo che collega il mondo reale e la dimensione inconscia? Può la creatività darci una chiave per diventare co-creattori più consapevoli in questo spazio liminale?

Tramite una ri-scrittura poetica, il corpo diventa un paesaggio malleabile. capace di accedere ad un io profondo dove è racchiuso un senso di se’ universale. Che intersezioni possono emergere tra il nostro spazio interiore e lo spazio esteriore
quando manteniamo questa coscienza? Possiamo dar voce ad una realtà primordiale di cui siamo tutti parte e trovare un nuovo linguaggio che ci accomuna in questo sentire?

A partire dalla prospettiva fenomenologica che il nostro corpo è parte dello spazio e non separato da esso, dando voce al nostro archivio personale di memorie, desideri e immagini inconsce apriamo la possibilita’ di comprendere una parte piu’ essenziale di noi stessi, composta di significati archetipi,forme simboliche individuali e transpersonali in trasformazione costante da cui
siamo mossi e che muoviamo.

Attraverso la danza, in un processo di riscoperta e riorientamento creativo di queste memorie, tramite un ascolto profondo del corpo, descostruendo i canali percettivi, possiamo accedere ad uno spazio liminale di interazione capace di trasformare la nostra percezione di questi archetipi.
Facendo esperienza delle sensazioni presenti nel corpo la mia ricerca investiga come l’ immaginario del corpo possa trasformarsi in ‘immagine cinetica’, fonte propulsiva per il movimento. Cosa accade al tracciato del corpo quando rivive il
proprio sogno interno? Che nuove coordinate spazio temporali possono emergere tra piu corpi in questa ricerca?
Come comunicano queste ‘immagini cinetiche/immagini sogno’ tra loro?

Nello spazio tra stasi e movimento la mia ricerca vuole investigare le intersezioni tra percezione interiore ed esteriore, ri-abitando uno spazio liminale più vasto e transpersonale. Riprendendo coscienza del nostro senso cinetico e utilizzando la ‘sinestesia’ come modalita’ percettiva che oltrepassa modalita’ abituali di utilizzo dei sensi primari a cui generalmente ci affidiamo,sono interessata a investigare i fili che collegano le pluridimensionalita’ del corpo. e le possibilita` comunicative che emergono da questo ri-orientamento nello spazio-tempo.

Rebecca Marta D’Andrea è una danzautrice e ricercatrice di danza. Nata nel 1983, dal 2003 vive tra Inghilterra e Italia. Laureatasi in coreografia presso il Dartington College of Arts nel 2006, nel 2016 ha conseguito un Master in Pratiche Creative a Trinity Laban Conservatoire of Music and Dance, Independent Dance e Siobhan Davies Dance di Londra con il supporto di una borsa di studio Gill Clarke di Leverhulme Trust.
La sua ricerca artistica artistica indaga le potenzialità del corpo creativo di rivelare nuovi aspetti nel dialogo tra diverse forme e linguaggi artistici, come strumento per svelare pluridimensionalita’ percettive all’interno del nostro senso del ‘reale’ parte di un complesso sistema di fenomeni interconnessi in trasformazione costante.
Ha vissuto a Bristol dal 2012 dove ha insegnato regolarmente Contact Improvisation, Danza Contemporanea e Danza Creativa a professionisti e non. A Torino ha recentemente collaborato con il Collettivo Arcadia PAN-k Ensemble e insegnato presso ArteMovimento Centro di Ricerca Coreografica.

Rebecca Marta D’Andrea
Movement Artist

rebeccamartadandrea.wordpress.com
fb LiminalBody

(la foto in primo piano e’ di Jasmin Kokkola dal progetto Divine Ridiculous di Daniel Hernandez, la foto a figura intera è di Chiara Bizzarra Giovanelli)

Rebecca Marta D’Andrea
Movement Artist

rebeccamartadandrea.wordpress.com
fb LiminalBody

(la foto in primo piano e’ di Jasmin Kokkola dal progetto Divine Ridiculous di Daniel Hernandez, la foto a figura intera è di Chiara Bizzarra Giovanelli)

Rebecca Marta D'Andrea is with us in: Edizione 2019,

Lucia Guarino

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Dalla necessità di approfondire alcune tematiche affrontate nella mia tesi di laurea in architettura “lo spazio del vuoto”, e da “in.col.to” performance site-specific per il Jardin Mandalà di Gilles Clement presso il PAV di Torino.
“In.col.to, pratiche di biodiversità” si propone di ricercare una metodologia di osservazione e abitabilità del paesaggio: sapere dove si abita per sapere come agire. Pensare il corpo come materia di possibilità di significato, in relazione consapevole con l’architettura intesa come l’arte umana del costruire e l’architettura della natura.
Nell’era dell’“antropocene” ha un senso riflettere su cos’è realmente per noi oggi paesaggio: studiare il punto di vista da cui si guarda, e analizzare la postura che si assume rispetto ad un dato sistema di elementi in relazione fra di loro o di quale postura il sistema ci fa assumere.
Partendo proprio da quei luoghi in cui è possibile mettersi ancora in ascolto con esso e che di per sé sono luoghi che parlano di “resistenza” come giardini, edifici abbandonati, angoli incolti , baschi , spazi dove l’attività umana è assente e percepiamo come “vuoti” ma che sono humus per la libertà, si potrebbe costruire una resistenza culturale e artistica attraverso l’interrogarsi, il mettersi in crisi, lasciarsi spazio per osservare e lasciar accadere, ascoltare e agire responsabilmente , capire cosa significa esserci.
Le sessioni di lavoro saranno inoltre supportata e sostenute dalla collaborazione di: PAV, (Parco Arte Vivente Torino), Terzo Giardino – Firenze

Dopo gli studi di danza classica e moderna. Si trasferisce a Firenze e in parallelo alla laurea in architettura approfondisce la sua formazione nella danza contemporanea tra l’Italia, il Belgio, la Spagna e l’Argentina. Partecipa inoltre a progetti di formazione incentrati sulla coreografia e l’insegnamento come “DanceMovesCities” 2013, “KLM” 2015 , “Volcano#3”2017 , “Dance Well” – teaching course 2018.
Come interprete lavora con Semi Cattivi Compagnia, Romeo Castellucci, Lisbeth Gruwez, Anna Marocco, La Società dello Spettacolo, Camilla Monga, Daniele Ninnarello, Compagnia Simona Bertozzi, Compagnia Virgilio Sieni.
Come coreografa con i suoi progetti partecipa a : PrivatFlat#6 e #7, Sinfonie per
Appartamenti, PerformatiAltri2013, OPERARI Galleria Cinica, La Biennale di Venezia, DanceMovesCIties2014, TerniFestival2014, PerformingSantaCaterina2015, PerformatiAltri2015, Terni Festival 2015, “TeatrumBotanicumEmergingTalents 2016” PAV Torino, Young Jazz Festival 2016, Passages ’18 ,PF2017 TeatroLiberoPalermo, BEFESTIVAL’17 Birmigham, Nexus Factory’18, NovaraJazz’18.

in.col.to
pratiche di biodiversità

un progetto di  Lucia Guarino
con il supporto alla collaborazione di  Emma Tramontana, PAV – parco arte vivente (Torino), Terzo Giardino – Firenze

in.col.to
pratiche di biodiversità

un progetto di  Lucia Guarino
con il supporto alla collaborazione di  Emma Tramontana, PAV – parco arte vivente (Torino), Terzo Giardino – Firenze

Lucia Guarino is with us in: Edizione 2019,

Riccardo Guratti

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L’arte ha assunto sempre di più, per me, la funzione di scoprire e riscoprire le piccole cose, i dettagli, i codici nascosti dietro l’apparente realtà delle cose.
E’ strumento di decodificazione, è la scienza dell’istinto e dell’intuizione, è la mano che toglie la polvere per vedere cosa c’è sotto.
Negli ultimi due anni, ho indagato la relazione che c’è tra il processo di pensiero, la sua logica e l’intuizione, l’istinto e i simboli atavici.
Il modo in cui pensiamo modella la relazione che abbiamo con lo spazio e il tempo, le logiche e il processo di riconoscimento.
Se applichiamo questo ragionamento al corpo, il modo in cui pensiamo modella la percezione dell’interno e dell’esterno, ridefinendo in ogni momento la relazione con lo spazio-tempo-movimento e il conseguente sistema di creazione di un possibile significato attraverso i simboli.
Ciò che è dentro, è fuori. Ciò che è nella parte posteriore, è di fronte. Creare qualcosa che sia vissuto a 360°.
Voglio essere in contatto con statue greche così come con alieni e gli UFO allo stesso tempo.
Questo corpo è una terra di possibilità che prende o non prende forma in spazi possibili e tempi possibili simultaneamente.

Riccardo Guratti (IT/NL) nasce a Cori sotto l’influenza della Luna in Venere. A 10 anni, camminando nei boschi, incontra un gruppo di unicorni e decide di studiare teatro per avvicinarsi il più possibile alla bellezza e al senso di comunità. A 17 anni incontra poi una leonessa nera, e una rossa mantide religiosa ed entrambe, con la pazienza e il credo di un maestro di KungFu, lo introducono nel mondo del movimento, dandogli la possibilità di migliorare, crescere ed aprire i suoi orizzonti creativi al di là degli aspetti formali. Studia, poi, all’Accademia di Danza Nazionale di Roma, dove tra il Colosseo e le scie chimiche, decide che la danza e la coreografia erano la sua vita. Si sposta a Palermo, Berlino e Amsterdam seguendo la migrazione delle oche, approdando infine all’SNDO School for new dance development. Dal 2010 sviluppa i propri lavori, variegati nelle forme tanto quanto le persone che incontra e i luoghi che vive. Collabora con il coreografo Matej Keizar che, come Riccardo, crede che il corpo nasconda simboli segreti e ultraterreni. Dal 2016 dirige, insieme a Davide De Lillis ed Eleonora Morza, il Cala Festival perché crede fermamente che il nord, oggi più che mai, debba migrare al sud proprio come le oche.
Dal 2016 organizza il festival di performance art C.A.L.A. Contemporary Actions Loose Aesthetics a Cori,(IT). Nel 2018 è stato selezionato per la sezione Nuove Traiettorie XL del network Anticorpi XL e per DNAppunti Coreografici tra i 6 finalisti.

Riccardo Guratti is with us in: Edizione 2019,